Jason Bourne
I soliti sospetti
La ragazza del treno
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L’allegro fantasma di Amleto Palermi, con Totò (1941), Rete Capri (canale 122 dt), ore 21:00.
Il Totò che pochi conoscono davvero, quello degli inizi, il più scatenato e avanguardistico (rintracciate difatti da qualche studioso le sue parentele con il surrealismo). Un Totò del 1941 diretto, come già nel San Giovanni decollato, da Amleto Palermi, che si scatena nelle parti di due, anzi tre, gemelli, e potete immaginare i fuochi d’artificio. L’innesco, e il pretesto, narrativo è un’eredità lasciata da un nobiluomo ai figli avuti segretamente da una cavallerizza da circo. C’è anche un giovane Paolo Stoppa.
Profondo rosso di Dario Argento, Cine34, ore 21:08.
Scelta d’amore – La storia di Hilary e Victor di Joel Schumacher. Rai Movie, ore 21:10.
Del 1991, riprende dal classico Love Story il binomio amore & malattia (più lacrime), diventando a sua volta il precursore dell’attuale, fortunatissimo genere young adult dei sick movies alla Colpa delle stelle e A un metro da te. Hilary viene assunta da un ricco signore perché faccia da infermiera e badante del malatissimo figlio. Ovviamenta sarà, tra siringhe e pillole, amore. Con Julia Roberts, reduce da Pretty Woman, e il Campbell Scott del Tè nel deserto di Bertolucci.
Il cacciatore di Michael Cimino, Iris, ore 21:13.
La ragazza del treno, Rai 4, ore 21:15.
Shall We Dance?, Nove, ore 21:25.
Gran successo personale di Richard Gere nella parte di un signore stanco della sua routine borghese che si iscrive a un corso di danza. Grazie ache all’incontro con Jennifer Lopez scoprirà il linguaggio del corpo e tutte le regole (e non regole) dell’attrazione
Jason Bourne, Italia 1, ore 21:26.
Un marito per Cinzia di Melville Shavelson, la7d, ore 21:30.Uno dei primi film hollywoodiani di Sofia Loren (siamo nel 1958), quale figlia di un musicista italiano arruolata come babysitter da un piacente e benestante vedovo con figlioli a carico. Anche qui: indovinate come va a a finire (se serve un indizio, eccolo: Tutti insieme appassionatamente). Lui è Cary Grant, e si dice che allora fosse innamorato perso della Loren. Sarà vero?
Jane Eyre di Carey Fugunaga, Paramount Network,ore 23:00.
Le novizie di Guy Casaril, Cielo, ore 23:05.
Come si può resistere a un film (francese) dl 1970 con la gran coppia femminile Brigitte Bardot-Annie Girardot? Storia improbabilissima e sciocca, e falso-peccaminosa, di una quasi-suora che, lasciato il convento, si rifugia da una prostituta e le dà una mano a procacciarsi i clienti. Uno strano sodalizio che avrà sviluppi imprevedbili.
Un bacio di Ivan Cotroneo, Rai Movie, ore 23:30.
Top Model di Joe D’Amato, Cine34, ore 23:31.
Erotico italiano dei tardi anni Ottanta firmato da quello che oggi è ritenuto dalle fanzine e webzine più oltranziste un maestro del genere, Joe D’Amato, aka Aristide Massaccesi. Trama che solo nei B-movies di quel periodo ancora libero-e-selvaggio era possibile: una (improbabile) scrittrice sta preparando un libro sula prostituzione. Per coniscere da vicino e dall’interno quel mondo – è una scrittrcie assai scrupolosa – decide di mettere in piedi un’agenzia di e cort. Che naturalmente funzionerà benissimo e consentirà a Joe D’Amato di realizzare una discreta galleria di amplessi softcore. Con due delle sue atrici-totem: Jessica Moore e Laura Gemser (D’Amato è anche il regista dei sequel di Emanuelle nera).
I ponti di Toko-Ri di Mark Robson, la7d, ore 23:40.
Del 1954, un combat film quasi instant sulla guerra di Cirea, finita appena pochi mesi prima. Con al centro un pilota americano incaricato di una missione quasi impossibile e al limite del suicidio, bombardare alcuni ponti in mano al nemico nordcoreano. Patriottico ma non smargiasso, con ampio spazio dedicato ai dubbi e ai tormenti del suo main character. Fu un grande successo di pubblico. Con William Holden e Grace Kelly.
I soliti sospetti di Bryan Singer, Italia 1, ore 23:53.
Visto e rivisto. Sempre formidabile. Sono dell’idea che I soliti sospetti sia lo psycho-thriller migliore dell’ultimo quarto di secolo, e non sto esgerando. Nessuno meglio del Bryan Singer di questo film riesce a farti respirare la paura, a comunicarti la minaccia. Colto, europeizzante, denso di riferimenti, con qualcosa del Roman Polanski anni Sessanta-Settanta e delle leggende del terrore del Centroeuropa. Keyser Söze è ormai leggenda. Purtroppo Singer non si sarebbe mai più ripetuto ai livelli di questo folgorante esordio.
Allacciate le cinture di Ferzan Ozpetek, Nove, ore 23:55.
Mondo cane di Gualtiero Jacopetti, Cine34, ore 1:05.
Uno dei primi film americani di Hitchcock – è del 1942 -, non così famoso come altri suoi, e spesso confuso con quel Sabotaggio che aveva girato in Inghilterra un po’ di anni prima, nel 1936. Un uomo di nome Barry Kane viene accusato di aver sabotato la fabbrica dove lavora. ma è innocente. Per provarlo si metterà all’inseguimento del colpevole, fino all’epilogo spettacolare sulla Statua della Libertà. L’uomo qualunque trascinato in storie più grandi di lui tirando fuori l’eroe che c’è in lui, come poi succederà in Intrigo internazionale (anche le scene finali si assomigliano parecchio). E l’inseguimento disperato del villain prima che combini guai anticipa Delitto per delitto. Insomma, film seminale per Hitchcock e per i molti suoi replicanti. Con Robert Cummings, un attore di commedie riciclato in eroe quotidiano. Con il solito disincanto con cui guarda a sé e al proprio lavoro, AH nel libro-intervista con Truffaut di Sabotatori parla piuttosto male, peggio di quanto abbiano fatto i suoi peggiori critici, lamentandosi dell’attore protagonista, dell’attrice, Priscilla Lane, che gli fu imposta (e Truffaut che infierisce:: “Era molto ordinaria e anche un po’ volgare”). E poi, aggiunge Hitch: “…c’è un grave errore in tutta la scena (si riferisce al finale sulla statua della Libertà): non è il cattivo che avrebbe dvuto rimanere sospeso nel vuoto, ma il protagonista; in questo modo la partecipazione del pubblico sarebbe stata dieci volte maggiore”. Collaborò alla sceneggiatura anche Dorothy Parker, la madre di tutti i giornalismi perfidi di costume (con discepole ancora oggi, anche in Italia), e Hitchcock la omaggia di un “ha inventato alcune soluzioni veramente spiritose”. Che detto da lui è tanta roba.
Cultistico. E come potrebbe non esserlo, visto che si tratta del film – anno 1939! – che vede nascere il sodalizio tra Michael Powell e Emeric Pressburger destinato a creare nelle decadi a seguire cinemeraviglie come Scarpette rosse, Narciso nero, Scala al paradiso. Anche se in questa spy story a firmare ufficialmente la regia è il solo Powell, mentre Pressburger figura come cosceneggiatore. Ma è già grande cinema, con tutta la morbidezza di tocco e e il segreto pulsare delle passioni e delle ossessioni che distinguerà il lavoro insieme dei due. Siamo al tempo della prima guerra mondiale, con un comandante tedesco di un U-Boot che raggiunge clandestinamente un’isola delle remote Orcadi britanniche per incontrare la sua informatrice, la maestra del posto, spia sotto copertura al servizio della Germania. Le cose si complichereanno quando la storia da professionale tenderà a farsi assai privata e appassionata tra lui e lei, mentre come in ogni spionistico cominciano i doppi e tripli giochi. Patriottico sì, ma con sguardo assai benevole sul comandante tedesco Hardt che si ritrova là nelle Orcadi intrappolato in una partita che pensava invece di poter condurre e tenere sotto controllo. 
Sarà l’eros a scompaginare tutto, indirizzando il film verso un finale straziante. Se teniamo conto che La spia in nero è del 1939, mentre già si sentono i rumori e le esplosioni dell’imminente nuova guerra tra Gran Bretagna e Germania, risulta ancora più apprezzabile la non demonizzazione da parte di Powell del suo protagonista tedesco. Un nemico umano, molto umano, interpretato con il solito magnetismo dall’immenso Conrad Veidt, sì, la creatura inquietante di Il gabinetto del dottor Caligari. La maestrina è Valerie Hobson, che si ritaglierà negli anni successivi un ruolo non secondario nel cinema inglese. Ma che passerà alla storia soprattutto come moglie sfortunata di John Profumo, il politico conservatore coinvolto nei primi anni Sessanta in un clamoroso scandalo sessuale.
Imperdibile, sempre che Rete Capri almeno stavolta rispetti il formato originale e non lo distorca, come purtroppo spessissimo succede, rendendo il film inguardabile. Incrociamo le dita (e inoltriamo ai programmatori di Rete Capri la supplica di mettere fine al consueto scempio. Grazie). Primo film, anno 1941, dell’avventura a Hollywwood del già surrealista René Clair, che si prende la superdiva pure lei émigrée dall’Europa all’America Marlene Dietrich per imbastiore un racconto beffardo e cinico pur nei modi eleganti e nelle dovizie del period movie. Partendo da una storia, o leggenda?, di New Orleans, quella di una signora di gran fascino e malie venuta dalla Francia e scomparsa lì, sulle rive del Mississippi, la sera delle sue nozze con un banchiere loocale. Suicidio!, fu la sentenza popolare (correva l’anno 1840). Ma René Clair ribalta il mito e ricostruisce a modo suo, in flshback, quel che si cela dietro la sparizione di Mdame. Che, apprendiamo in corso di film, è un’avventuiera e sciantosa ben decisa a trovare la sua fortuna nel Nuovo Mondo costi quel che costi. Ruolo di cinismi e disincanti, dunque perfetto per Marlene Dietrich, ancora una volta femme fatale cui nessun maschio resiste. Disastro al box office. Troppo sottile, commentò perfido René Clair, per il pubblico americano.
Da vedere assolutamente e nonperché sia un capolavoro, anzi. Ma ci sono casi come questo in cui la visione diventa obbligatoria per come un film risce a dirci del suo tempo, a raccontarci l’extrafilmico, il reale storico, il contesto e il clima in cui è sato generato. Se il titolo italiano, anodino e anonimo, niente ci dice, è invece assai eloquente quello con cui questo film prodotto dal leggendario Howard Hughes uscì la prima volta insala, nel 1949: I Married a Communist, Ho sposato un comunista. Titolo che, dopo il clamoroso insuccesso delle anteprime, sarebbe stato successivamente cambiato in La donna del molo 13. Siamo alla fine degli anni Quaranta, la guerra fredda è ormai in corso e intossica menti e anime anche degli americani meglio intenzionati, la commissione governativa preposta a sorvegliare e reprimere “le attività antiamericane” – leggasi comuniste e pro-sovietiche – lavora a pieno ritmo, anche se il senatore Joseph McCarthy non è ancora sceso in campo (lo farà nel 1952). Sicché ecco film di propaganda come questo in cui si agita lo spettro rosso e si inocula nel pubblico il cliché del nemico comunista e sovietizzante che lavora nell’ombra per scardinare la democrazia americana e spianare la strada al trionfo bolscevico planetario. Lo schiavo della violenza ne è un prodotto esemplae e come tale va visto, per i meccanismi comunicativi e di persuasione che mette in atto, per come cala una crociata ideologica dentro una struttura e macchina narrativa a alta efficacia (almeno nelle intenzioni).
Continuo a segnalare i film trasmessi da Rete Capri, nonostante che la qualità della messa in onda sia spesso (quasi sempre) disastrosaa, soprattutto per via del formato sbagliato. Stavolta eccomi qua, ostinato, con un titolo raro e importante. Mai citato tra i film massimi di Douglas Sirk, signore incontrastato del melodramma hollywoodiano anni Cinquanta (con qualche incursione nei Sessanta), cineasta di rigerimento per gente come Fassbinder e Almodovar, e scusate se è poco. Eppure Il trapezio della vita, anno 1957, è puro Sirk nel suo intrecciare vite e tormenti ai giochi, ciechi e spietatissimi, del destino, nelle sue accensioni e tensioni d’amore spente dalla dura realtà. Tratto nientedimeno che da un romanzo di William Faulkner, Pylon, fu alla sua uscita assai maltratto dai cirtici e poco amato dal pubblico. Ovviamente riscoperto poi sull’onda dela Sirk-renaissance quale opera esemplare del suo autore.
Melodramma in nero di quelli che non si fanno più, non si possono più fare – che volete, son cambiati i tempi e pure la sensibilità collettiva -, e che hanno contribuito alla grandezza di Hollywood come pochi. Con al centro la stella assoluta del genere, almeno in quegli anni (il film è del 1940), ovvero Bette Davis, i suoi grandi e inconfondibili occhi, la sua bocca sempre ambiguamente e aristocraticamente piegata. Ambiguissimo personaggio è quello che interpreta in Ombre malesi, film diretto da uno dei molti viaggiatori (unidirezionali) sull’asse Europa-Hollywood, il disincantato William Wyler. Tratto da un libro e poi da un play di Somerset Maugham, si colloca in ambienti colonial-imperial-britannici come molte cose scritte Maugham, uno capace come pochi di escogitare intrighi e di immettervi veleni e doppiezze di ogni tipo. Leslie è la moglie di un proprietario inglese di piantagioni di caucciù laggiù in Malesia, a Singapore. Un giorno spara a un amico di famiglia e lo ammazza. Mi voleva violentare, mi sono dovuta difendere, proclama lei. Ma scopriremo che poco prima lei aveva scritto una lettera alla vittima, che dunque tra i due c’era qualcosa, che il delitto potrebbe essere stato, per un qualche motivo, da lei premeditato. Il film è la narrazione di come far emergere la colpa di Leslie, e di come passare dal sospetto alla prova. Una meraviglia che arriva direttamente dalla Golden Age di Hollywood e ce ne porta tutto il sapore. Un mucchio di candidature all’Oscar, e per Bette Davis fu la quarta. Herbert Marshall è il marito.
Uno di quei melodrammi cupi e flamboyant che fecero di Joan Crawford l’icona che sappiamo, e tuttora persistente i nostri immaginari. Una Crawford alle prese – siamo nel 1941 – con uno dei suoi personaggi più complessi, contorti, stratificati, in un film che, con la regia dello specialista in storie femminili e gran direttore d’attrici George Cukor, è il remake hollywoodiano di un torbidissimo mélo scandinavo che pochi anni prima aveva lanciato Ingrid Bergman. Siamo a Stoccolma, Anna Holm è sotto processo con l’accusa di aver assassinato un uomo di nome Erik Barring. Man mano che il confronto in aula procede, assistiamo per flashback alla storia drammaticissima di Anna. Rimasta da piccola deturpata nella parte destra del viso in un incendio, impossibilitata a una vita normale, si lega all’ambiguo e criminale Erik cercando per lui vittime da ricattare. In questa attività si imbatterà in una signora con amante, moglie di un chirurgo plastico al quale minaccia di denunciarla. Ma il buon dottore, conoscendo Anna, la convince a sottoporsi a un intervento che le restituirà il suo viso. Molto altro succederà e seguirà, per via dell’avidità e forse l’innata malvagità del diabolico Erik. Il quale è interpretato dal grandissimo Conrad Veidt, emblema del cinema espressionista, il meraviglioso e inquietante sonnambulo Cesare del Gabinetto del dottor Caligari. È lui, insieme a una Joan Crawford che non ha paura di mostrarsi con la faccia devastata, a siglare questo film, a riannodarlo alla grande stagione del cinema di Weimar, a dargli ombre e profondità e abissi.
Classico, classicissimo. Da storia del cinema, ecco. E però mica da guardare reverenti, perché John Huston, che sta dietro alla macchina da presa, con quel suo tocco robusto e anche spiccio da raccontastorie che non si perde in ciance, fa di tutto per avvicinarci al film, ai suoi personaggi. Film destinato a diventare l’archetipo e il paradigma di ogni successivo heist e caper movie, il genere con furto-rapina e banda in azione. Del 1950, però invecchiato benissimo, Giungla d’asfalto (che gran titolo! e difatti diventato proverbiale) ci racconta di come uno scassinatore appena uscito di galera metta insieme un gruppo di specialisti con lo scopo di dare l’assalto a una gioielleria. Ma non andrà come previsto, tutto si ribalterà, secondo le ferree regole del genere, e sarà un massacro. Con un incombente senso di sconfitta e di illusioni perdute che ne fa (anche) una riflessione sul destino e lo issa dalle parti del capo d’opera. Il meraviglioso Sterling Hayden, bello e virile come nessuno (solo Gary Cooper gli può stare alla pari), uno che dal cinema ha avuto meno di quanto meritasse, fa suo il film. E poi Sam Jaffe, James Whitmore e, attenzione, una Marilyn Monroe giovanissima e non ancora star.
